agrupaciones instrumentales

A lo largo de la historia los instrumentos se han utilizado de diversas formas dando lugar a diferentes agrupaciones instrumentales. Igual que las voces, los instrumentos se pueden intervenir como solistas o agruparse en formaciones pequeñas o numerosas, incluyendo timbres y registros similares o diferentes. Aquí podéis encontrar algunos ejemplos de agrupaciones musicales conocidas, pero la definición general de las más usuales están en Leer más. •Charanga: grupo de músicos que tocan por la calle mientras andan •Mariachi: pequeña agrupación con instrumentos de cuerda fundamentalmente. •Tuna: grupo musical universitario. •Orquesta sinfónica: conjunto de instrumentistas (de 40 a 80 aproximadamente) con más de un instrumento por voz. El concepto de orquestanace en el Barroco. Es la mayor agrupación musical en nuestra cultura, en la que importa la destreza como conjunto más que la de cada instrumentista individualmente. Está formada por cuatro secciones: ◦Cuerda frotada (violines 1os, violines 2os, violas, violoncellos y contrabajos). ◦Viento madera (flautas traveseras, oboes, clarinetes y fagotes. ◦Viento metal (trompas, trompetas, trombones y tuba) ◦Percusión (membranófonos e idiófonos) Otros instrumentos como el piano o el arpa pueden aparecer inusualmente. Los instrumentos se colocan atendiendo a ciertas consideraciones: > Forman un semicírculo para ver las indicaciones del director. > Los agudos se colocan a la izquierda delante y los graves a la derecha detrás. > De delante a atrás se colocan: cuerda, viento madera, viento metal y percusión. > Si hay un solista se coloca delante y a la izquierda del director. > Si hay un coro se sitúa detrás de la orquesta, con las voces agudas a la izquierda y las graves a la derecha, y delante las femeninas y detrás las masculinas. •Grupo de cámara – Dúo: un instrumento + piano – Trío – Cuarteto de cuerda: dos violines, una viola y un violoncello. Se estableció en el Clasicismo y es una agrupación predilecta de muchos compositores. – Quinteto de cuerda: dos violines, dos violas y un violoncello, o dos violines, una viola y dos violoncellos. Inusualmente piano. – Quinteto de viento: flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa. – Sexteto, hepteto, octeto, noneto. *A partir de diez instrumentistas se llaman orquestas de cámara (como la orquesta sinfónica pero con menos instrumentistas o sin alguna familia). •Banda: agrupación de 25-50 instrumentos de viento y percusión. Si incorpora violonchelo y contrabajo se denomina banda sinfónica. •Fanfarria: instrumentos de viento metal y percusión. •Rondalla: instrumentos de cuerda pulsada y de pequeña percusión. •Banda de jazz: ◦De un instrumento: principalmente para piano◦Trío: batería, contrabajo (rítmico) y solista (piano, guitarra…) ◦Cuarteto: batería, contrabajo, piano y un instrumento de viento. ◦Quinteto: Piano, contrabajo, batería, saxofón y trompeta. ◦Banda de dixieland: agrupaciones de jazz tradicional que contaba con piano, tuba, contrabajo, batería, clarinete, corneta, trombón y banjo. ◦Big-bands: piano, contrabajo, batería, guitarra, percusión, trompetas, trombones, saxofones y clarinetes. •Grupo de rock: instrumentos electrónicos. •Agrupaciones de música tradicional: hay muchas en cada cultura.

El lenguaje de la música

¿Qué es el Lenguaje Musical? El lenguaje musical estudia los signos y términos con los que se representa visualmente la música. El lenguaje musical es un lenguaje con el que podemos interpretar una partitura de cualquier procedencia o estilo musical. A través del lenguaje musical se plasma el ritmo, la melodía, la armonía y otros aspectos importantes de la composición musical. Es un lenguaje que ha permitido y permite a los compositores dejar por escrito sus ideas musicales y sus sentimientos en forma de música. Además, podemos conocer la evolución de la música y la sociedad a través de la notación musical de las partituras. El lenguaje musical evolucionó al ritmo que evolucionó la música occidental, la complejidad de esta música clásica no habría sido posible sin los elementos necesarios para reflejarla en una partitura. De hecho, la notación musical se desarrolló por la necesidad de escribir música, por la necesidad de compartirla y facilitar su comprensión e interpretación.

tono y semitono

TONO El tono es la sensación auditiva o atributo psicológico de los sonidos[1] que los caracteriza como más agudos o más graves, en función de la propiedad física llamada frecuencia. Un tono puro corresponde a una onda senoidal, es decir, una función del tipo f(t) = A sen(2 π f t), donde A es la amplitud, t es el tiempo y f la frecuencia. En el mundo real no existen tonos puros, pero cualquier onda periódica se puede expresar como suma de tonos puros de distintas frecuencias. Existiría una frecuencia fundamental y varias frecuencias múltiplos de la fundamental, llamados armónicos. Las frecuencias de estos armónicos son un múltiplo entero de la principal. Cuando a un tono se le aplica el análisis de Fourier, se obtiene una serie de componentes llamados parciales armónicos (o armónicos, a secas), de los cuales el primero o fundamental y los que tienen un número de orden que es una potencia de 2 (2, 4, 8, 16...) tienen alguna similar sensación de tono que el primero por sí solo (ya que al estar a distancia de octava, el oído humano suele percibirlas como "las mismas notas pero más agudas"). El resto de parciales armónicos se perciben como otros sonidos distintos del fundamental, lo que enriquece el sonido. De esta forma, los sonidos cuyos armónicos potencias de 2 son algo más sonoros que el resto, son percibidos como sonidos con un timbre más nasal, hueco o brillante, mientras que los sonidos donde son algo más sonoros otros parciales armónicos, son percibidos como sonidos con un timbre más lleno o completo, redondo u oscuro. Todos los parciales armónicos, en su conjunto determinan el timbre musical. La forma en que es percibido el tono es lo que se conoce como altura del sonido, que determina cómo de bajo o alto es ese sonido, aunque es normal que se utilice tono como sinónimo de altura. SEMITONO En música, un semitono es cada una de las dos partes, iguales o desiguales, en que se divide el intervalo de un tono,[1] y es el menor de los intervalos que se pueden producir entre notas consecutivas de una escala diatónica. Equivale a la doceava parte de una octava. Recibe su nombre del hecho de ser aproximadamente (y en el temperamento igual lo es exactamente) igual a la mitad del tono, que es el mayor de estos intervalos entre notas consecutivas de una escala. Es el intervalo musical entre dos teclas adyacentes de cualquier instrumento de teclado (como el piano), o entre dos posiciones consecutivas sobre el mástil de un instrumento de cuerda con trastes (como la guitarra). A lo largo de la historia, el concepto y la magnitud del semitono se han ido modificando. Hasta la adopción del temperamento igual, podían encontrarse al mismo tiempo semitonos diferentes en un sistema de afinación dado.

LA ORQUESTA

La palabra orquesta procede del griego ορχήστρα, orchestra y significa lugar para danzar.

Esta definición se remonta a alrededor del siglo V a. C., cuando las representaciones se efectuaban en teatros al aire libre, donde en Roma se llamaban anfiteatros. Frente del área principal de actuación había un espacio para los cantantes, bailarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta. Hoy en día, el término se refiere a un conjunto de instrumentos musicales y de los músicos que los tocan o ejecutan.

Desarrollo de la orquesta

Inicialmente estaba acordado que la orquesta estaría formada por:

• Cuerdas: ocho violines, tres violas, dos violonchelos, un contrabajo y un clavecín opcional.
• Viento-madera: dos flautas, dos oboes y un fagot. Los oboes y flautas eran tocados por los mismos músicos, por lo que no había coexistencia sonora de las cuatro voces.
• Viento-metal: dos trompetas y dos trompas.
• Percusión: dos timbales.

Mozart y Haydn hicieron cambios en la estructura de la orquesta: la introducción de dos clarinetes por influencia de Johann Stamitz tras haber visto la Orquesta de Mannheim, la introducción de un segundo fagot o, en Don Giovanni de Mozart, un trombón, que era tocado por el segundo trompa (es decir, no coexistían las dos trompas junto con el trombón).

Hacia el año 1800 la orquesta creció y se dispuso de la siguiente forma:

• Cuerdas: veinte violines, ocho violas, ocho violonchelos, cuatro contrabajos.
• Viento-madera: dos flautas, dos oboes, dos clarinetes y dos fagotes.
• Viento-metal: dos trompetas, y cuatro trompas. Los trombones se añadirían paulatinamente con Beethoven, que llegó a usar tres en las Sinfonías N° 5, N° 6 y N° 9.
• Percusión: dos timbales.

Durante el siglo XIX la orquesta se expandió enormemente, Beethoven fue quien continuó este avance en el crecimiento orquestal. En Cuerdas aumentando el número de todos los instrumentos, en Maderas introduciendo el flautín, el contra-fagot, en ocasiones un corno inglés y algunas variantes de clarinete, en Metales fijó definitivamente el uso de trompetas, comenzó a utilizar trombones y recomendó el uso de la tuba y en Percusión amplió el número de los dos timbales clasicistas a cuatro o hasta cinco, e introdujo el bombo, los platos y el triángulo (Haydn ya había introducido estos dos últimos, platos, triángulo, y el contrafagot, en pocas ocasiones). A mediados del siglo, se desarrolló el siguiente agrupamiento:

• Cuerdas: treinta violines, doce violas, diez violonchelos, ocho contrabajos, un piano y un arpa.
• Viento-madera: un flautín, dos flautas, dos oboes, un corno inglés, dos clarinetes, un clarinete bajo, dos fagotes y un contrafagot.
• Viento-metal: tres trompetas, cuatro trompas, tres trombones y una tuba.
• Percusión: cuatro timbales y otros instrumentos de percusión, dependiendo de la composición.

Richard Wagner añadió la tuba wagneriana (de sonido similar al de la trompa pero con una tesitura una octava más baja).

En el siglo XX, los compositores escribieron para orquestas de inmenso tamaño, incluyendo seis timbales, ocho trompas, cuatro trompetas, cuatro trombones, dos tubas, dos arpas, presencia extra de maderas, celesta, más percusión y más cuerdas, para equilibrar la totalidad del conjunto tímbrico.

Tipos de orquesta

Durante este siglo, la orquesta de cámara experimentó un creciente impulso renovada. Hay diferentes tipos de orquestas.

• Orquesta sinfónica
• Orquesta de cámara
• Orquesta joven: Es aquella en la que los integrantes son estudiantes de la carrera de música en el Conservatorio o en academias privadas. Suele haber una en cada capital de provincia importante o en las regiones. En muchas ocasiones, estas orquestas sirven, para sus miembros, de antesala a una orquesta sinfónica profesional.
• Orquesta que utiliza una familia de instrumentos: orquesta de cuerdas, orquesta de vientos, orquesta de metales, orquesta de percusión.
• Orquesta que utiliza varias familias de instrumentos: orquesta de viento y percusión (o banda de música), orquesta de viento, percusión y algunos instrumentos de cuerda (o banda sinfónica).

También se denomina orquesta a otros conjuntos instrumentales de música popular, de baile, de jazz, siempre que tengan un número considerable de miembros....

Directores de orquesta

A continuación se muestra una lista de los principales directores de orquesta separados en los siglos XIX y XX. Dentro de cada categoría, los directores se encuentran clasificados alfabéticamente. En esta lista también se incluyen los directores de coro

Directores de orquesta del siglo XIX

• José Francisco Romero Landa (1973-2015)
• Richard Wagner (1813-1883)

Franz Liszt (1811-1886)

• Hector Berlioz (1803-1869)
• Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
• Hans von Bülow (1830-1894)
• Camille Chevillard (1859-1923)
• Édouard Colonne (1838-1910)
• Narcisse Girard (1798-1860)
• Ruperto Chapí (1852-1909)
• José María Alvira (1864-1938)
• Jacinto Guerrero (1890-1952)
• François-Antoine Habeneck (1781-1849)
• Charles Hallé (1819-1895)
• Ferdinand Hiller (1811-1885)
• Louis-Antoine Jullien (1812-1860)
• Conradin Kreutzer (1780-1849)
• Charles Lamoureux (1834-1899)
• Hermann Levi (1839-1900)
• Johan Svendsen (1840-1911)
• Gustav Mahler (1860-1911)
• Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847)
• Felix Mottl (1856-1911)
• Jules Pasdeloup (1819-1887)
• Emil Paur (1855-1932)
• Hans Richter (1843-1916)
• Theodore Thomas (1835-1905)

Directores de orquesta del siglo XX

Claudio Abbado  Roberto Abbado Konrad von Abel Yves Abel Hermann Abendroth  Maurice Abravanel La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión ycuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada. El término «orquesta» se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para danzar.

Origen

Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los llamados creciendo y disminuyendo Mannheim —que, en realidad, no fueron invención de los miembros de este grupo—, la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacó una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó su verdadero desarrollo.

Instrumentos musicales de la orquesta sinfónica

Esquema de colocación de los instrumentos de una orquesta sinfónica. La orquesta de cámara o sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas): Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1contrafagot y saxofones Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombonestenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba. Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja. Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano. Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano. De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra.

Director de orquesta

El director de la orquesta cumple con una función principal en la orquesta sinfónica, puesto que es él el que la dirige e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores. El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos. Antes era el primer violín (concertino), el clavecinista u organista quien dirigía (continuista), y actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.

la voz en la música

La voz no es un instrumento de viento, componente de la música que se crea mediante las cuerdas vocales de una persona. La voz humana se puede utilizar de distintas maneras en la música, por ejemplo el canto. Un vocalista es un músico que interpreta mediante la voz, y un cantante es un vocalista que se expresa mediante el canto. La voz humana como medio de producción del sonido musical Los seres humanos, desde tiempos muy antiguos, han utilizado su propia voz para producir música. En cada cultura la voz se maneja de manera diferente de acuerdo con el estilo musical propio. Cada voz humana es distinta y, por tanto, la clasificación no siempre es fácil. En occidente las voces humanas se clasifican con base en dos conceptos: La tesitura y el timbre. La tesitura es la gama de notas en la que una voz canta más cómodamente. El timbre, como se menciona al tratar las cualidades del sonido, es la característica especial que distingue una voz de otra. Generalmente una voz de tesitura aguda tiene un timbre delgado o claro, mientras que una de tesitura grave tendrá un timbre grueso u oscuro. Como se dijo antes, cada voz es diferente y puede haber excepciones en cuanto a la correspondencia tesitura-timbre. Aunque existen clasificaciones más detalladas que ocupan los especialistas, a continuación se presenta la clasificación general de las voces humanas.La voz La voz es el sonido producido por el aparato fonador humano. La emisión consciente de sonidos producidos utilizando el aparato fonador es conocida como canto. El canto tiene un rol importante en el arte de la música, porque es el único instrumento musical capaz de integrar palabras a la línea musical. El sonido vocal se produce en una acción física combinada. Las partes son el apoyo, la función combinada de mucosidad, cuerdas y músculos vocales (messa di voce) y de la resonancia y supresión de los armónicos del sonido emitido de la laringe al tracto vocal (boca, cabeza). El espectro de armónicos se llama timbre. Es individual en cada persona. En la pedagogía de canto, el proceso de despertar ciertos armónicos para hacer la voz brillante se denomina comúnmente resonancia. Sin embargo, del sonido inicial de la laringe, solo un 20 % es emitido efectivamente como sonido vocal, el resto está suprimido por el tracto vocal. Por lo tanto, es más correcto hablar de filtración parcial del sonido inicial. Mientras que la formación ósea de cada persona es predefinida, la forma correcta de emitir el sonido al tracto vocal se puede aprender a través de entrenamiento constante. Resulta que las voces percibidas como prominentes y brillantes son las que tienen una fuerte proporción del formante entre 2.800 Hz y 3.200 Hz. Una voz se deja distinguir por el ámbito, el timbre vocal y la forma de vibrato. La conformación individual de laringe y tracto vocal es la razón por la cual el cantante individual es más distinguible por su sonido vocal, que un instrumento musical de otro del mismo tipo. La técnica vocal no enfoca primariamente el virtuosismo instrumental, sino la formación de la emisión correcta del sonido. Como el aparato fonador y el diafragma no son accesibles a través de sensaciones nerviosas, el profesor de canto tiene que usar métodos indirectos de influenciar la voz, como imágenes, sensaciones musculares en órganos adyacentes y el entrenamiento del tracto vocal. El método más eficaz es la interferencia entre el sistema auditivo y la laringe, o sea: la atención al sonido mejora el sonido. **Soprano *Soprano drammatico (spinto) *Soprano lírico *Soprano leggero, también soprano di coloratura ó soprano d'agilità. **Contralto *Contralto assoluto *Mezzocontralto **Tenore *Tenore grave (baritenore) *Tenore leggero o Tenore buffo *Tenore lírico leggero o Tenore di grazia *Tenore lírico *Tenore lírico spinto *Tenore di forza (spinto) **Basso *Basso profondo *Basso cantante *Basso buffo

En la voz masculina las voces claras están constituidas por: las voces de Tenor y Contratenor, y las oscuras por las voces de: Barítono, Bajo. Sin embargo he aquí algunas excepciones, pudiendo encontrar tenores con un timbre más oscuro, como el Tenor dramático o el Lírico - Spinto que formarían también parte de las voces oscuras. En el caso de las voces femeninas, la voz clara está constituida por la Soprano, encontrándose también, como en el caso masculino, excepciones en cuanto a sub-clasificaciones determinadas, (Soprano dramática - Soprano lírica-Spinto) Y las voces oscuras la integran la cuerda de: Mezzosoprano y Contralto. Siendo la última extremadamente difícil de encontrar, se estima que sólo un 2 % de las mujeres son contralto. Es importante mencionar que la voz es un instrumento de nacimiento. Por tanto, cada persona tiene ya un determinado tipo de voz y lo que se hace es trabajar con ella. Los tipos de voz son determinantes para los personajes de la ópera. Sin embargo, un cantante sólo podrá cantar representando al personaje que vaya de acuerdo con su tesitura y tipo de voz. En el caso de los coros, sólo se utilizan cuatro voces: soprano, contralto, tenor y bajo; mientras que las voces intermedias se representan con las otras dos.

El theremin

El theremín es un instrumento musical inventado en 1919 por el ruso Lev Termen (1896-1993). Fue uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos y, además de su sonido, lo más curioso es que el ejecutante no tiene ningún contacto físico con él. El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia o tono: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el nivel de volumen: cuanto más cerca esté la mano izquierda, más baja el volumen

Instrumentos electrófonos

Un instrumento electrónico es un instrumento musical que produce sonidos usando la electrónica(energía eléctrica). El mismo se distingue de un instrumento tradicional eléctricamente amplificado, que es parecido a su versión acústica, pero que requiere que la amplificación se realice por medios electrónicos, como es el caso de la guitarra eléctrica. Los instrumentos electrófonos son la última familia en integrarse a la clasificación Sachs-Hornbostel, aproximadamente en 1920. Los instrumentos mecánico-eléctricos o electromecánicos son los instrumentos musicales que mezclan elementos mecánicos y eléctricos para generar el sonido, como por ejemplo, el Órgano Hammond o Melotrón. Algunos instrumentos electricos son: *Bombo eléctrico *Chapman Stick *Daxófono *Violoncelo eléctrico *+Guitarra eléctrica *Arpa eléctrica *Mandolín eléctrico *Piano eléctrico *Sitar eléctrico *Contrabajo eléctrico *Pedal steel guitar *Guitarra preparada *Piano Rhodes *Guitarra semi acústica *Guitarra de tres puentes *Amplificador del instrumento *Distorsión

instrumentos de viento-madera

En los instrumentos de viento-madera (parte del grupo de aerófonos), la vibración del aire dentro del tubo que conforma el cuerpo del instrumento produce el sonido. La longitud del tubo determina la altura del sonido. Aunque agrupados en el grupo de maderas, en la actualidad algunos de estos instrumentos se construyen en metal. Esto se debe a que el nombre les fue dado a la mayoría cuando aún eran fabricados de madera. No obstante, se siguen clasificando dentro de las maderas por su timbre y su sonido característico. Todos tienen una serie de agujeros taladrados a lo largo del tubo, aunque algunos se cubren o destapan mediante una serie de mecanismos a los que se denominan llaves. Los instrumentos de viento-madera tienen un sonido suave, melodioso y profundo. Hay dos formas de producir el sonido en los instrumentos de viento-madera: soplar a través de un agujero, tal como se sopla a través de la boca de una botella, como ocurre con los instrumentos que se incluyen dentro de la familia de las flautas, o soplar a través de una caña en forma de lengüeta, como ocurre en los instrumentos que se incluyen dentro de la familia de los oboes, los clarinetes y los fagotes. Instrumentos de caña[editar] Erke, instrumento de viento de gran tamaño típico del norte de Argentina, muy similar a la Trompa de los Alpes.Los instrumentos de caña producen sonido canalizando el aire a través de una boquilla que causa que la lengüeta, o lengüetas, se abran. Ejemplos: *Erke Clasificación: ]Los instrumentos de viento-madera se pueden clasificar en 5 subgrupos que son: Instrumentos de bisel, sin conducto Embocadura de una flauta travesera.Tienen una embocadura formada por un agujero con el borde afilado, o bien el borde solamente, sin embocadura. Ejemplos: *Flauta travesera *Flautín *Flauta de Pan *Bansuri *Quena Instrumentos de bisel, con conducto Embocadura de una flauta de pico de tres orificios.Tienen un bisel al que llega el aire conducido a través de un canal. Ejemplos: *Flauta dulce *Ocarina *Tin whistle *Pinkillo *Tarka Instrumentos de lengüeta simpleBoquilla de un clarinete, con la caña unida por su abrazadera y un metal por dentro.Esta embocadura está compuesta por una fina lámina elástica sujeta a la boquilla mediante una abrazadera. En algunos instrumentos étnicos puede ser un segmento cilíndrico de caña al que se le corta dicha lámina (sin llegar a desprenderla), sin necesidad de abrazadera. Ejemplos: *Clarinete En todos sus tipos. *Saxofón *Gaita de caña y los bordones (notas pedal) de cualquier gaita. Instrumentos de lengüeta doble Dos cañas de fagot.La embocadura está formada por dos finas lengüetas enganchadas a la boquilla, o sin boquilla. Ejemplos: *Corno inglés *Fagot *Contrafagot *Dulzaina *Gaita *Cromorno Instrumentos de lengüetas libresInterior de una armónica, en el cual pueden apreciarse sus lengüetas vibrantes.A este grupo pertenecen los instrumentos de viento cuyas lengüetas no baten contra una boquilla o entre sí, sino que vibran libremente. Ejemplos: *Armónica *Acordeón *Bandoneón *Armonio *Melódica

instrumentos de cuerda

Los instrumentos de cuerda o cordófonos son instrumentos musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, usualmente amplificadas por medio de una caja de resonancia. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos del instrumento y se hacen sonar pulsando, frotando o percutiendo la cuerda.

En la orquesta clásica, se llama «cuerdas» al conjunto de instrumentos de cuerda frotada formado por los grupos de violines (normalmente divididos en violines primeros y segundos), violas, violonchelos y contrabajos. Lo mismo sucede con la orquesta de cuerdas, que está conformada por los mismos instrumentos. De forma similar se habla de un trío, cuarteto o quinteto de cuerdas, cuando se trata de agrupaciones de violín, viola y violonchelo; 2 violines, viola y violonchelo; o 2 violines, viola, violonchelo y contrabajo respectivamente.En una orquesta clásica los instrumentos de cuerda se colocan en primera posición en la zona más cercana al director seguidos por los instrumentos de viento y por último de percusión.

instrumentos de viento-metal

Los instrumentos de viento-metal son instrumentos musicales de viento compuestos por un tubo de metal (generalmente latón), que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla. Aunque estos instrumentos están fabricados en metal, la mayoría de ellos tienen antecesores tomados de la naturaleza, como las caracolas, ramas huecas o cuernos de animales. *Tipos Dentro de la familia de los instrumentos de viento metal existen dos grupos: los instrumentos de taladro cónico y los de taladro cilíndrico. En los primeros, el conducto del aire se ensancha gradualmente desde la embocadura hasta la campana. Estos instrumentos tienen sus antecesores en las caracolas marinas y los cuernos de los animales. Ejemplo de ellos es el shofár, un instrumento judío fabricado con el cuerno de un carnero y que aún es usado en las sinagogas. De los instrumentos modernos utilizados, la trompa, la tuba, el clarín y el fliscorno son sus principales representantes. En los instrumentos de taladro cilíndrico, el conducto no se ensancha más que en el tudel del principio hasta unos centímetros antes de llegar a la campana y todos los tubos centrales que componen las bombas y los pasos entre los pistones son cilíndricos. Tienen sus orígenes en conductos sonoros fabricados en madera, bambú o caña que estaban provistos de una embocadura gruesa y abultada con un cuerpo de animal a modo de pabellón. Como representantes modernos de estos instrumentos destacan la trompeta y el trombón. En cualquier caso, los instrumentos actuales de los dos grupos no son cónicos o cilíndricos por completo.








*Funcionamiento El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La posición de los labios es fundamental a la hora de ejecutar una nota. Cuando la columna de aire atraviesa el tubo, produce una serie de notas llamada serie de armónicos naturales. Se pueden obtener otras notas utilizando válvulas, pistones o varas deslizantes, dependiendo del tipo de instrumento. El sonido de los instrumentos de metal puede alterarse introduciendo en la campana un mecanismo conocido como sordina, consiguiendo un timbre diferente. *Historia El origen de los instrumentos de viento-metal se remonta a los instrumentos elaborados con elementos presentes en la naturaleza, tales como cuernos de animales, ramas de árboles o caracolas que se utilizaban para diversas cuestiones como eran los entierros, rituales para ahuyentar a los malos espíritus, para la caza o para transmitir señales. La mayoría de las antiguas civilizaciones recurrieron a este elemento para tal cometido. En ocasiones, los instrumentos tenían un uso litúrgico, como sucede con el shofár judío, del cual existe testimonio en Números XXIX, 1. Sin embargo, el empleo del cuerno fue muy superior en los países nórdicos europeos, pues en ellos se perfeccionó y se fabricó de metal, como ocurre con el lur escandinavo, inspirado en el colmillo de un mamut. En la Edad del Bronce muchos pueblos fundían el metal para confeccionar grandes trompas, casi siempre destinadas a fines bélicos, aunque se mantenía su primigenia función como elemento para realizar señales. Un ejemplo de ello es el carnyx empleado por los celtas. Herencia de estas antiguas trompas son los aerófonos de metal surgidos en la Edad Media, como es el caso de las trompetas y sacabuches, éstos últimos antecesores del trombón. Esta familia de instrumentos adquirió notable importancia gracias al perfeccionamiento de la trompa en el siglo XVII, añadido al nacimiento de la trompa de caza, consistente en un aerófono de metal con un tubo progresivamente ensanchado, con boquilla estrecha, cónica, campana ancha y cuello arrollado sobre sí mismo. Si el primer cometido de estos instrumentos fue la música heráldica y militar, paulatinamente se fueron incorporando a la música culta y así los vemos plenamente integrados en la orquesta del clasicismo, para, en el siglo siguiente, ser objeto de grandes cambios morfológicos y adquirir una importancia determinante, tal como demuestra la música de Héctor Berlioz y Richard Wagner, que requieren ejemplares creados durante el siglo XIX, como tubas Wagner, fliscornos y oficleidos. Sobre 1815 se inventó un sistema de válvulas y se eliminó el sistema de "codos" (tubos extra), mediante el cual se conseguía variar la longitud del tubo. Los instrumentos modernos tienen "tubos extra" permanentemente fijados y las válvulas se utilizan para que estos tramos puedan empalmarse y hacer el tubo principal más largo. Los tramos se abren o cierran mediante una serie de pistones. Ahora los diferentes instrumentos de viento se utilizan en la mayoría en las bandas sinfónicas. *Instrumentos Trombón Tuba Tuba wagneriana Trompa o corno (también conocida como corno francés) Trompeta Corneta Fliscorno Saxhorno Figle

las alteraciones y los intervalos

las alteraciones son signos que modifican la altura de una nota. La diferencia de altura entre dos sonidos se llama intervalo. se mide en tonos y semitonos. En un rondó, el tema principal (A) suele desarrollarse tres veces o más. Estas repeticiones se alternan con los temas musicales o los episodios llamados contrastes: *El sostenido: eleva el sonido un semitono cromático. Se representa con el signo ♯. *El bemol: baja el sonido un semitono cromático. Se representa con el signo ♭. *El becuadro: cancela el efecto de las demás alteraciones. Se representa con el signo ♮.

rondó

*rondó: es la forma musical basada en la alternancia entre varias estrofas y un estribillo que se repite:ABACA En un rondó, el tema principal (A) suele desarrollarse tres veces o más. Estas repeticiones se alternan con los temas musicales o los episodios llamados contrastes: A. Tema B. Primer episodio en otra tonalidad (de dominante o relativo mayor/menor). A. Repetición del tema principal. C. Segundo episodio en otra tonalidad. A. Repetición del tema (a veces con variaciones).

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza. El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales: • La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante. • La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que esta contenga. • La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud. • El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad.






 Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

¿Para qué sirve la música? Para expresar, escuchar, callar, cambiar, ser diferentes, ser iguales, unir, fortalecer, armonizar, equilibrar, definir, ser únicos, convivir, reflexionar, divergir, coincidir, motivar, apoyar, alcanzar, volver a intentar, imaginar, inspirar, movilizar, trabajar en equipo, revolucionar, pacificar, construir, evolucionar, reír, llorar, sentir, soñar, cantar, bailar… Son muchas las razones y seguramente cada uno podríamos añadir muchísimas más. El poder de la música es inmenso y sus funciones van más allá de la mera diversión ,pues está presente en todos los momentos de nuestra vida .Según la función de la música ,existen diversos estilos ,diferentes instrumentos y ,sobre todo distintas maneras de organizarse :son lo que se denomina formas musicales.

LA MUSICA

La música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario.

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Hola queridos seguidoes somos vaitipatani es decir Vaitiare ,Patricia, Anne y Kiwi que se quiere mantener en el anonimato. En este blog vamos a hablaros sobre la música y sus características.Esperamos que os guste =)